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  • Summer Soul

    cero

    上質だ。これぞ真の音楽好きが真の音楽好きに自信をもってレコメンドできる最高に上質でソフィスティケートされたジャンル越境ポップロックミュージックだ。 ベースが良い。 超聴こえる。 ベースを聴かせるバンドは大抵良いバンドだ。 ドラムが良い。 タムで刻み、金物をキーボードのように聴かせるバンドは大抵良いバンドだ。 テクニカルなのに、編曲に嫌味がない。 こういうのをズルいと言う。

  • 猫とアレルギー

    きのこ帝国

    猫である。そしてきのこである。テレキャスである。 ある種の人間はそれだけで何かに気づく。 あ、これ好きなヤツだ。と。 中堅監督が駆け出しの頃、地味な俳優陣と低予算なロケでとったモノローグの多い邦画。 きのこ帝国の持つ叙情性と、それへの親近感を言葉にするとき私はそれを思い浮かべた。 『猫とアレルギー』は、理性的でしっとりとしたロックバラードだ。 Aメロからいい具合に抑揚がきいたメ

  • ランアンドラン

    KANA-BOON

    若手正統派ロックバンドの大本命としてここ数年認知されているが、その原型は言われるほどスタンダード足りえるバンドでは無かった気がする。百歩譲ってイケメンでないことは置いておくとしても、谷口鮪の声には独特のねちっこさがあったし、楽曲もポップではあるが泣きメロは比較的少ない。古賀隼斗のギターは主張している。2013年のサマソニを見た時点で、バンドサウンドは躍動していたが、大衆の心を掴むならもっと楽曲が引

  • Ice Candy

    カフカ

    IceCandy、良いギターロックである。 突風のように蒼い轟音と疾走感。歌詞の断片のブライトな響き。 歪んだシングルコイル、ディレイ。気持ち良い。 ときは2000年代前半。 私たち日本生まれのゆとり第一世代は思春期に差し掛かり、ある遺伝子変革に遭遇したのだと思う。 ギターロックという本能の誕生である。 禁断の果実はBUMP OF CHICKENだったのだろうか。 あるい

  • Good New Times

    Gotch

    バンドマンのソロを聴くのは好きだ。 その人が、バンドとソロ、公と私をどのように分断するのか。 その境目をどの地点に置くか。音なのか、歌詞なのか。仕事と趣味なのか。 一番好きなジャンルと、二番目に好きなジャンルなのか。 それまでのバンド作品では、プライベートな音楽を鳴らしていたのか。 そうではなかったのか。 ソロ作品をリリースするとたくさんのことが見えてくる。 『Good

  • Swan

    [Alexandros]

    なんでこんなに顔がかっこいいのか、という疑問に対して誰も何も答えてくれないバンドナンバーワン。 曲もかっこいい。電子ビートとフェイザー?感のある揺らしたボーカルによる淡々とした始まりからして、新参者のパブリックイメージの外側から攻めてくる。この感触はどこから引っ張ってきたアイデアなのか。ボーカルの録音とミックスが良いだけなのか。 ドラマティックなサビで泣かせるまでに至らず、すぐAメロに

  • ハッピーエンド

    back number

    Mr.Children、コブクロ。 わかる。わかるよ、清水依与吏。 back numberが先達から非常に強い影響を受けているのがわかる。 いや、影響という言い方は間違っているかもしれない。 それは、遺伝に近い。 ハッピーエンドは、ドラマティックなバラードである。 他のback numberのバラードと同じように。 日本人好みのメロディライン、切ない恋心の歌詞。 ストリング

RANDOM REVIEWランダムレビューから音楽をみつける

  • IceCandy、良いギターロックである。

    突風のように蒼い轟音と疾走感。歌詞の断片のブライトな響き。
    歪んだシングルコイル、ディレイ。気持ち良い。

    ときは2000年代前半。
    私たち日本生まれのゆとり第一世代は思春期に差し掛かり、ある遺伝子変革に遭遇したのだと思う。
    ギターロックという本能の誕生である。

    禁断の果実はBUMP OF CHICKENだったのだろうか。
    あるいはMr.Childrenからすべては始まっていたのだろうか。


    上記バンドを熱心に聴いていたか否かは実は重要ではない。iPodに入れてなくたって、空気感染のように、私たちの細胞に疾走ギターロックは刻まれていた。


    養分たっぷりの大地に育った。
    そんな印象だ。
    満たされた僕たちの欠落、なんてのは安易すぎるモチーフではあるけれど、カフカの音楽にはそうした豊穣さにもとづいた説得力と感情の揺れがある。


    サウンドだけではない。
    ノーベル文学賞をボブ・ディランが受賞した件はまた別の話だが、邦楽ギターロックというジャンルには、よりざっくりしたイメージとしての文学の幻影がつきまとう。バンド名からして、カフカもその土壌に咲いている。そのルーツを厳密に辿るには別の機会を設けるとして、カネココウタが言葉やMVやその他このバンドを表象するあらゆるイメージで、組み上げたい世界観も真にこの邦楽ギターロック文学と言うべき系譜を受け継いでいる。


    4つ打ちビートでフェスシーンを盛り上げるバンドたちが歩む道と比較するとカフカのそれは、より正道であり、オールディーだ。

    その差異はもしかしたら重要かもしれない。
    というのも、そのアイデンティティに、きっと双方があまり意識的でないのが今のバンドシーンだからだ。
    それを強く意識したとき、初めて母体となるシーンの再検証と、バンドの次の闘いが始まる。
    『ギターロックという本能』 を詳しく ≫
  • なんでこんなに顔がかっこいいのか、という疑問に対して誰も何も答えてくれないバンドナンバーワン。

    曲もかっこいい。電子ビートとフェイザー?感のある揺らしたボーカルによる淡々とした始まりからして、新参者のパブリックイメージの外側から攻めてくる。この感触はどこから引っ張ってきたアイデアなのか。ボーカルの録音とミックスが良いだけなのか。

    ドラマティックなサビで泣かせるまでに至らず、すぐAメロに戻る。音数少ない16ビートが続く。ニクい。Cメロ、間奏、転調、こってりしないディストーションギター。ニクい。顔は美メロだが、ノイジーで、決して安易な媚びを感じさせない。ズバッと終わる。やりたいことをやっている。甘さ控えめ。何から何までニクい。人気あるだろうなあ、勘弁してほしいなあ、このバンド。
    『なんでこんなに顔がかっこいいのか』 を詳しく ≫
  • 若手正統派ロックバンドの大本命としてここ数年認知されているが、その原型は言われるほどスタンダード足りえるバンドでは無かった気がする。百歩譲ってイケメンでないことは置いておくとしても、谷口鮪の声には独特のねちっこさがあったし、楽曲もポップではあるが泣きメロは比較的少ない。古賀隼斗のギターは主張している。2013年のサマソニを見た時点で、バンドサウンドは躍動していたが、大衆の心を掴むならもっと楽曲が引っ張っても良いと感じた。

    『ランアンドラン』は、そんなカナブーンのいびつな甲殻がいつの間にか剥がれ落ちていたことを教えてくれる曲である。

    声の粒立ちが良く綺麗。ギターはリバーブで綺麗。Bメロの譜割りと、サビのロングトーンには、谷口鮪が作曲家として自身の曲を自在にコントールできるようになってきていることを感じる。

    結果的に、正統派の惹句にビシリと答える、見事にエバーグリーンな曲になっている。これが迎合ではなく、進化、あるいは正当な変化であること証明するのは難しい。それは彼らの今後の作品作りで分かってくるのだと思う。
    『進化、あるいは正当な変化』 を詳しく ≫
  • 猫である。そしてきのこである。テレキャスである。
    ある種の人間はそれだけで何かに気づく。
    あ、これ好きなヤツだ。と。

    中堅監督が駆け出しの頃、地味な俳優陣と低予算なロケでとったモノローグの多い邦画。
    きのこ帝国の持つ叙情性と、それへの親近感を言葉にするとき私はそれを思い浮かべた。
    『猫とアレルギー』は、理性的でしっとりとしたロックバラードだ。

    Aメロからいい具合に抑揚がきいたメロディが続く。
    コロコロとしたエレピと、スカスカ故に相対的に浮き出てくるベースライン。
    白玉ギターと乾いたドラム。クールなボーカル。彩るのはカラフルというよりはクリアーなストリングス。

    歌詞は大事。
    影のある美女が書く切ないラブソングは、間違いなくきのこ帝国の最大の強みだ。
    "話せなくていい 会えなくてもいい"
    テレキャス美女が恋の喜びを歌っていたらまた話は違っていたと思う。
    オルタナやシューゲイズ寄りのストイックなポジションを確立しているが、
    テイストとしては、奥華子やAiko、あるいはサンボマスターのような報われなさへの憧憬と世界観が、その広範な人気に大きく寄与していると思う。

    アウトロのギターソロで骨のあるところを見せる。『東京』ライクだ。
    それでも可憐ではある。その点、良きも悪きも田渕ひさ子とは違う。

    きのこ帝国のようなバンドがスマートにシェアを獲得しているところに、時代の変化、邦楽ロックというやつの成熟を感じる。ついてくるファンに恵まれていると思う。

    インディーズ時代からの変化を嘆くファンもいるようだ。
    しかし、個人的にはそう変わっていないと思う。
    オルタナティブな音使いは、彼らにとって本質ではなくて、むしろ外殻だっただろう。
    シーンでけちょんけちょんにされないための。

    あとで知ったことだが、ボーカル&ギターの佐藤千亜妃は女優だったらしい。
    低予算な邦画を想起させる佇まいは、印象としてはそう間違ってもいなかったようだ。
    『猫とテレキャスと邦楽ロックの成熟』 を詳しく ≫

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  • BLINKSTONEの真実を

    BIGMAMA

    金井政人は非常にモチベーションの高い人間である。そして理想の高い人間である。 無理もない。この人は持てる者だ。 まず普通に顔が格好良い。 そして学がある。ポイントは最終学歴ではなく、付属高校から中央大学に進学していることだ。東京出身。私立の高校に進学できるだけの経済的余裕と、文化資本を備えた、いわゆる中流家庭の出身であると推察できる。 BIGMAMAの優美でクラシカルな世界観は

  • めぐり逢えたら

    おとぎ話

    古い家具のようなギターの音色でドリーミーなアルペジオを組み立てる。 最後まで厚くならない音像に、盛り上がりに欠ける空虚なメロディが滑っていく。 独特な音楽は多々あれど、その独特さのベクトルにおいて有識者が認知できないような角度で『めぐり逢えたら』を繰り出すおとぎ話は、損極まりない。 新しいジャンルとの融合や、時代のアーキテクチャの有効活用は本当のところオリジナルでもなんでもない。進んでいる時

  • セツナ

    サニーデイ・サービス

    曽我部恵一は紛れもないミュージシャンズミュージシャンズだ。先輩後輩問わず他のバンドマンや評論家に、曽我部恵一という人間はあまりに讃えられている。愛されすぎて逆に胡散臭いくらいだ。 同業者に愛されるにはいくつか理由がある。人柄もそうだろう。しかしそれよりも鍵になるのは、同じプロであってもなかなかマネできない、マネしようとしない音楽をやっていることだ。 他のミュージシャンに出来なくて、曽我

  • Good New Times

    Gotch

    バンドマンのソロを聴くのは好きだ。 その人が、バンドとソロ、公と私をどのように分断するのか。 その境目をどの地点に置くか。音なのか、歌詞なのか。仕事と趣味なのか。 一番好きなジャンルと、二番目に好きなジャンルなのか。 それまでのバンド作品では、プライベートな音楽を鳴らしていたのか。 そうではなかったのか。 ソロ作品をリリースするとたくさんのことが見えてくる。 『Good

  • ハッピーエンド

    back number

    Mr.Children、コブクロ。 わかる。わかるよ、清水依与吏。 back numberが先達から非常に強い影響を受けているのがわかる。 いや、影響という言い方は間違っているかもしれない。 それは、遺伝に近い。 ハッピーエンドは、ドラマティックなバラードである。 他のback numberのバラードと同じように。 日本人好みのメロディライン、切ない恋心の歌詞。 ストリング

  • 猫とアレルギー

    きのこ帝国

    猫である。そしてきのこである。テレキャスである。 ある種の人間はそれだけで何かに気づく。 あ、これ好きなヤツだ。と。 中堅監督が駆け出しの頃、地味な俳優陣と低予算なロケでとったモノローグの多い邦画。 きのこ帝国の持つ叙情性と、それへの親近感を言葉にするとき私はそれを思い浮かべた。 『猫とアレルギー』は、理性的でしっとりとしたロックバラードだ。 Aメロからいい具合に抑揚がきいたメ

  • Summer Soul

    cero

    上質だ。これぞ真の音楽好きが真の音楽好きに自信をもってレコメンドできる最高に上質でソフィスティケートされたジャンル越境ポップロックミュージックだ。 ベースが良い。 超聴こえる。 ベースを聴かせるバンドは大抵良いバンドだ。 ドラムが良い。 タムで刻み、金物をキーボードのように聴かせるバンドは大抵良いバンドだ。 テクニカルなのに、編曲に嫌味がない。 こういうのをズルいと言う。

NEW REVIEW最新レビューから音楽をみつける

  • 金井政人は非常にモチベーションの高い人間である。そして理想の高い人間である。
    無理もない。この人は持てる者だ。


    まず普通に顔が格好良い。
    そして学がある。ポイントは最終学歴ではなく、付属高校から中央大学に進学していることだ。東京出身。私立の高校に進学できるだけの経済的余裕と、文化資本を備えた、いわゆる中流家庭の出身であると推察できる。

    BIGMAMAの優美でクラシカルな世界観は、金井のこうした育ちの良さが大きく寄与している。メンバーの確かな演奏力にも、きっと同様のことが言える。


    金井政人は理想が高く、そこへ向かう努力を怠らない。彼はある種のナルシストであり、それが彼の人生に完全にポジティブにフィードバックされている稀有なタイプだ。


    金井政人はいくつものカードを持っている。その中でも、彼がバンドに夢中になって以降最も念入りに育てているカードが、作家性という名のカードだ。作家性というキーワードはインタビューなどでも本人の口から触れられている。


    彼の高いモチベーションと豊かな文化資本と感の良さが、ヤンチャなイケメンのレベルでしかなかった作家性を、プロのソングライターという看板に耐えるところまで引き上げた。アーティストかくあるべし。金井政人は、自身の潜在的な作家性を肯定せず、生真面目に理想を追った上で努力する。読書については、次のように豪語している。


    "日課の読書は言葉を知らないバカでありたくない義務感にのみ由来している"(ブログ)


    最新アルバム『Fabula Fibula』でも作家性へのチャレンジが行われている。
    『Fabula Fibula』は、"収録されている全ての曲に街の物語とテーマがあり、アルバム1枚で一つの地図ができあがる"(リアルサウンド)というコンセプトを持ったアルバムだ。


    サージェント・ペパーズ以降、ロックは若者の遊びから離れ、芸術になっていく。その象徴がコンセプトアルバムという試みだ。金井にとって今のBIGMAMAは、芸術のステージにあると言える。


    『BLINKSTONEの真実を』では、フィクショナルな雰囲気がむんむんであることをまず指摘したい。
    美術館で撮影したMVは言わずもがな、冷たくヨーロピアンなメロディラインは、ポップミュージックとして落ち着いてしまうことを拒む強さがある。
    面白いのは、ハードロックなギターリフをガッツリ組み上げた上で、このような雰囲気に持っていくところだ。当然だが、作家性への拘りが第一に追求するのは歌詞ではない。オリジナリティだ。
    その点、チャレンジングなサウンドや編曲は金井にとってマスト事項となり、それは『BLINKSTONEの真実を』に象徴的である。


    歌詞にも一見の価値がある。


    "Don't look into her eyes
    dangerous It's a sweet trap
    決してその目を合わせてはいけない"

    "目と目が合えばその瞬間に
    氷のような冷たい接吻
    恋と地獄の底なし沼へ"

    "Medusa she is Medusa
    criminal she is criminal
    BLINKSTONEの真実を"


    BLINKはまばたきだ。見たものを石に変えてしまう、ギリシア神話のメデューサをモチーフにした物語だと分かる。
    気になるのは、"she is criminal"というセンテンスだ。メデューサがある種害悪のある存在であることは周知の事実である。つまり、彼女がcriminalであることを客観的に指摘する行為は、原理的には伝えるべき情報から省かれている。
    逆説的に解釈できるのは、メデューサ、あるいはメデューサに例えられている女性は、crinimalな存在ではないということである。そして彼女をcriminalと主張するのは、あくまで物語の語り手であり、それはひとつの主観でしか無いことを覚えておきたい。
    冒頭には次のような歌詞がある。


    "決してその目を合わせてはいけない"


    "その目"は、メデューサの目ではなく語り手の目を指す。
    ここにおいても、客観的にメデューサをフィーチャーするのであれば、「その目を見てはいけない」あるいは「その目に合わせてはいけない」と表現するほうがより自然な表現だと感じる。メデューサの目でなく、語り手の目が目的語となっていることに、客観ではなく主観に力点が置かれていることが象徴される。


    最後に、"BLINKSTONEの真実を"について。
    BLINK、まばたきをするのはやはり物語の語り手だ。
    そして"真実"があると説く。
    真実は物語が主観で描かれるときのみ脚光を浴びる。なぜなら主観から真実は隠れるから。
    逆に、客観とは神の視点であり、客観である限り真実は開かれている。


    まとめると、この曲の物語は、極度に語り手の主観に依存しており、それがひとつの仕掛けになっている。
    メデューサを一方的に、criminalな存在にしているのは、物語の語り手だ。

    そして真実はいつだって主観の外側に在る。この曲は、主観とは異なった真実を、間接的に読み取らせる構造になっている。ちなみにその真実がなんなのかは描かれていない。とはいえ、主観の記述を全面的に反転させることがヒントになるだろう。そこでボンヤリと見えるのは、メデューサという外的な危機ではなく、語り手自身の内的な退廃と、それがある状況に陥ったときの人間の宿命的なものであるという諦観、そして破滅的なロマンである。


    以上が、金井政人にとってどれだけ意識的なアプローチであったかは大した問題ではない。なぜなら、真実は金井政人の主観の外側にあるからだ。金井政人の作家性に誓って。
    『金井政人の作家性 メデューサの真実』 を詳しく ≫
  • 古い家具のようなギターの音色でドリーミーなアルペジオを組み立てる。
    最後まで厚くならない音像に、盛り上がりに欠ける空虚なメロディが滑っていく。
    独特な音楽は多々あれど、その独特さのベクトルにおいて有識者が認知できないような角度で『めぐり逢えたら』を繰り出すおとぎ話は、損極まりない。
    新しいジャンルとの融合や、時代のアーキテクチャの有効活用は本当のところオリジナルでもなんでもない。進んでいる時代のフィーリング、それを選び取る尖った感性。そんなものと縁のないおとぎ話が私は好きだ。
    そして、そんなおとぎ話は損極まりない。

    『めぐり逢えたら』。この曲の特徴のひとつは、何故別れ何故めぐり逢うのかという情報が抜け落ちているセカイ系的な歌詞だ。この曲が湿っぽくもならなければ温かくもならない理由は曲調だけでなく、その歌詞にある。似ている。透明感のあるエモーションだけが情景とともに燃え尽きる様がまさにセカイ系フィクションと似ている。

    "さよならのむこう"
    "泣き顔の先"
    "別れを捧げる"

    モチーフとされるのは、別れるという概念それ自体と、その先にある概念的で幸福な何かそれ自体だ。別れも、めぐり逢いもふたり以上いなければできないことなのに、MVで描かれるのは女の子のみであることも指摘しておきたい。語り手は黒子として画面外にフェードアウトしているのだ。社会的背景が抜け落ち、離別や出逢い、破滅という概念がドラマティックに美少女のロードムービーとして独り歩きするのがセカイ系のストーリーだとまとめるなら、まさにどストライクのセカイ系ロックである。

    おとぎ話が損極まりない理由は、そのわかりづらさにある。何を言っているんだと思われるかもしれない。有馬和樹はポップで綺麗なメロディを書くじゃないかと。バンドはそれを最大限に引き立てる演奏ができるじゃないかと。牛尾健太の美形はかなり目立つじゃないかと。

    おとぎ話のわかりづらさは、ポップでピースフルな長所にユニークでストレンジな別の長所が埋もれてしまっている構造にある。おとぎ話に気づかず通り過ぎる人は、『めぐり逢えたら』の奇妙なメロディ展開や音像のアイデアに驚かず、ただ優しいだけの曲と感じるはずだ。わかりやすいよね、と。

    そして、おとぎ話が損極まりないもう一つの理由は、そのわかりやすさにある。『めぐり逢えたら』の歌詞がセカイ系的であることは先程指摘した。同じようにして曲のテーマが直球の恋であれば、有馬はやはりリアリティを捉えず、概念としての恋心を、言葉を変え、メロディを変え畳み掛ける曲を作る。『理由なき反抗』収録の『SMILE』を引用する。

    "終わり無き今は 光に溢れて"
    "季節を超えて 僕は君と旅にでるのさ"
    "恋をした瞬間に 涙があふれる"
    "広がる青空に 僕らのメロディが溶けてゆく"

    先日ドナルド・トランプのVictory Speechを英語で読んだ。それがとてもわかりやすかった。英語が簡単なのだ。トランプ政権自体の是非は置いといて、その言葉のポップさは分析に値する。限りなく平易で概念的でいかようにも解釈できるビッグワードだが感情が高ぶる。有馬が作詞で狙っているポップネスもまさにそれだと思う。トランプがインテリの自尊心を満たさないように、おとぎ話もインテリの自尊心を満たさない。わかりやすいからだ。もちろん有馬もトランプもそんなインテリよりも一枚上手なのだが、それはまた別の話。

    わかりやすさとわかりづらさのさじ加減で、バンドは過大評価されたり過小評価されたりする。おとぎ話の評価が過小かどうかは定かではないが、おとぎ話の持つ難解さと平易さが共にユニークなものであることをそれなりの数のコアを自認するロックファンが認知できていないのは間違いない。ここにはマーケティングの問題もあるかもしれないが、その点、希望もある。

    人にとってなにがわかりやすく何がわかりづらいかは、時代によって変わっていく。バンドの定性的な音楽の魅力をそのままにして。女心は秋の空というように、ロックファンの関心も秋の空だ。大したものじゃない。深みのあるポップバンドの最王手として、おとぎ話がコロッとトップに躍り出るなんてことは、それこそトランプの当選ほどには番狂わせではないだろう。
    『ロックンロールは秋の空』 を詳しく ≫
  • 曽我部恵一は紛れもないミュージシャンズミュージシャンズだ。先輩後輩問わず他のバンドマンや評論家に、曽我部恵一という人間はあまりに讃えられている。愛されすぎて逆に胡散臭いくらいだ。

    同業者に愛されるにはいくつか理由がある。人柄もそうだろう。しかしそれよりも鍵になるのは、同じプロであってもなかなかマネできない、マネしようとしない音楽をやっていることだ。

    他のミュージシャンに出来なくて、曽我部恵一にできる音楽ってなんだろうか。そのキーワードは、恥ずかしさ、だと私は思っている。

    恥ずかしい音楽にはいくつかある。プライベートな歌詞だったり、不器用で必死な歌声であったり、古臭い曲調だったり、子供っぽいソフトな曲調だったり、粗削りな演奏だったり。

    恥ずかしいことを人はやらない。恥ずかしいからだ。しかし、こと芸術となってくると、必ずしもそうは問屋がおろさなくなってくる。なぜなら、人間はひとの恥ずかしい一面というやつに心を動かされてしまう生き物だからだ。親友の打ち明け話。気になる人の普段は見せない表情。汗を流して働く人。体を張った芸人のコント。旅の恥はかき捨てと言うけれど、恥をかきたくなければ冒険をしなければ良い。人はなるべき恥をかかずに生きていく。しかし何かしらの表現を志し人の心を動かしたければ、表現のカッコよさを磨くだけでなく個々のできる範囲で、恥をかいていく必要がある。

    プライベートな歌詞だったり、不器用で必死な歌声であったり、古臭い曲調だったり、子供っぽいソフトな曲調だったり、粗削りな演奏だったり。

    曽我部恵一が讃えられるのは他のミュージシャンたちが、半ば反射的に隠してしまうこれらの恥を自然体のまま、聴ける音楽に昇華してしまうからだ。もちろんそれらを実現するには技術もいる。作曲、編曲、ボーカル、演奏で高度なバランス感覚を持ち、さじ加減を知る耳を持っている必要がある。とはいえ、生き様に裏付けられた彼の人間性がなにより、生身の恥ずかしさを、聴ける、ものとして存在させる。

    曽我部恵一の顔が村上春樹に似ていると思うのは私だけだろうか。エッセイやインタビューを読むと、村上春樹は村上春樹の小説の主人公のような生き方を本当にしていることがわかる。曽我部恵一も曽我部恵一の楽曲の主人公のような生き方を本当にしているからこそ、恥と表現が美しく繋がっているのだと思う。

    『セツナ』はいい曲過ぎる。アコギの鳴るミディアムでメロウな良曲は彼に多いが、それにしてもこの透明感は稀有だ。メロディは二パターンを機械的に繰り返す。シンプルな構成。コーラスでコンプがかったボーカルや淡々としたピアノも相まってドライな印象に拍車をかける。


    "夕暮れの街切り取ってピンクの呪文かける魔女たちの季節"


    しかし、言葉数の多い色気のあるメロディとちょっと"ピンク"でドキッとする歌詞にはむくむくとしたエネルギーが内包されていて、微熱のまま夢の中に誘うような強引さも備えた曲になっている。

    タワーレコードのインストアライブでこの曲を演奏している映像を見た。ベースの田中貴と二人編成のサニーデイ・サービスで、バリバリに歪ませたストラトキャスターを抱えて曽我部恵一はこの曲を絶叫していた。スタジオ音源の『セツナ』の洗練に抗うようだった。違和感が無かったことは驚きではない。表現を変えても取り払えない、曽我部恵一の、聴ける、恥があるからこそだと思う。

    MVのヒロインは廣田朋菜という方だそう。映像部隊が優秀なのだろう。彼らの映像コンテンツはいつも良い。だけど今回は特に良い。
    『恥と洗練と同業者』 を詳しく ≫
  • バンドマンのソロを聴くのは好きだ。

    その人が、バンドとソロ、公と私をどのように分断するのか。
    その境目をどの地点に置くか。音なのか、歌詞なのか。仕事と趣味なのか。
    一番好きなジャンルと、二番目に好きなジャンルなのか。
    それまでのバンド作品では、プライベートな音楽を鳴らしていたのか。
    そうではなかったのか。
    ソロ作品をリリースするとたくさんのことが見えてくる。


    『Good New Times』は、一聴して良い曲だ。
    ロックのうるさい感じそのものが苦手な人に聴いてほしい。
    穏やかで、ちょっとオシャレで、耳に馴染む。休日にカフェにでも出かけたくなる。
    特に音楽好きでない人が音楽に求める素材でつくられた、生活に寄り添ってくれる音楽だ。

    気持ちよく張る声や軽快なリズムに、健康にソロ作品に取り組もうとしている姿勢がうかがえる。
    アジカンという足場を持った大人の余裕が小気味良い。
    そういうときに出てくる音楽は好きだ。
    聴き手にも余裕を与えてくれる。


    軽快なアコギのリズムは、アジカンのイメージとは大きくことなる。
    意外とベースがゴリゴリいっている他に、気づくことがひとつあるだろう。

    言葉だ。
    むき出しの言葉がたくさん詰め込まれている。
    この軽やかな曲によくこれだけの言葉を乗せた。
    いや、ここはちょっと疑ってかかりたい。
    この曲は、沢山の言葉をむき出しにすることを目的としてつくられているのではないか。



    後藤正文を語るときに、政治的であろうとする近年のキャラクターを無視することはできないだろう。
    指摘しておくべきなのは、その時代性だ。
    かつて、ロックミュージシャンが政治的であることは、普通のことであった。
    Bob DylanもSex PistolsもBeatlesも何かしらの政治的事件性を内包していた。
    簡単な話で、それは時代が持つ一体感だったのだ。
    小さな波が大きな波になるのに丁度良い情報の伝達速度が、20世紀のある時代にだけ存在していた。
    それがロック誕生から全盛への歴史と、キレイに連動していた。
    その意味では、ロックはメディアの音楽だと言える。

    話を戻そう。
    今のロックミュージシャンは政治的でないのが普通である。
    なぜなら、もはや波は大きくならず、音楽と政治には何のつながりも無いからである。
    それは悲しいことではない。音楽も政治も繋がってしまっていたあの時代こそがイレギュラーだったからだ。
    それでは後藤正文は、こんな時代に、まだ音楽と政治の結合力を信じている脳天気な人間なのか。
    その類の勘違いはとても多いが、もちろん、それは違う。
    後藤正文が政治的であることと、かつてのロックミュージシャンが政治的であったことは、意味が違う。



    『Good New Times』で執拗に「街」のモチーフが登場する。


    "僕らの魂を街頭に飛び出して書きつけてまわるんだぜ"

    "見慣れたビルの最上階から悲しみが滝のようだね"

    "少女が泣いていた 街は灰色のままさ
    若者は嘆いていた 街は灰色のままだ"

    "花を植えよう そこら中に
    種を蒔こうか 街中に
    いつかきっと目に見えるように変わるから"


    街は「悲しみが滝のよう」な場所であり「灰色」だった。
    それを「魂を書きつけ」「花を植え」「種を蒔く」ことで変える。
    街が変わる。それは随分と特殊なコンセプトではないか。都市開発じゃないんだから。


    仮説から入ろう。
    後藤正文の政治とは、世界を変えるための政治ではなく、政治を変えるための政治ではなく、自己を位置づけるための政治である。
    『Good New Times』では、街の中に自己を位置づけるという作業が行われている。
    僕ら、は実家に位置づけられているところからはじまる。


    "実家だけがシェルター"


    そして「魂を書きつけ」「花を植え」「種を蒔く」ことで自己を街に位置づけていく。
    これらの作業はマーキング行為そのものだ。
    マーキングとは居場所へのモチベーションである。

    実家で「ジャック・ケルアック」を読んで感動していることと、その感動をポケットに街に出ること。
    その違いが後藤正文の政治である。だから彼の活動は言葉を変えてメディアを変えて私たちを行動へと啓蒙する。
    それは、デモに行け、といった簡単な意味ではない。
    行動によって、街に出ることによって、個人の中で街は具体的なイメージをなす。
    そうして初めて、人は自己を位置づけられるようになる。
    これは特別な話ではない。だれだって行きていく上で自己の位置づけを必要とし、それは自己の外があって初めて行われる。

    その、あたり前だけど困難な試みを、政治的なことだと捉えること。そのために街が私たちには必要であること。それが後藤正文の立場だ。街の中に自己が位置づけられることは、自己にとってだけでなく街にとっても意味がある。物理的にも精神的にも、自己がアドインされることにより、街が変わるからだ。音楽は政治を変えないけど、街は政治を変えるかもしれない。音楽は街を変えないけど、音楽は自己を変える。
    『街が変わる、自己を位置づける』 を詳しく ≫
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  • RT @gotch_akg: 日本に戻ったら、ドカンと8時間くらい寝たい。ずっと細切れの睡眠だから。そういうなかでも夢は見るもんで、トム・クルーズのアンビエントノイズバンドにギタリストとして参加して、偶発的なノイズを「それがいいからもう一回やれ」と無茶振りされまくって、困り果て… by @ZeroBeat_BOT